“ Dans la série Disparaître en bleu — Ein Spiel der Biosemiotik (2003), l’artiste dessine une sorte de récit elliptique dans lequel elle « entreprend de [s]e faire disparaître comme figure pour devenir une couleur, une idée, une méduse, un garçon ». Tout en maintenant le thème central de la transformation, cette série d’autoportraits décline un jeu fictionnel qui, à la différence de son travail précédent, présente non pas un climat de peur et de résistance devant la mouvance intérieure mais suggère un engagement actif dans ce mouvement. On observe dans ce « jeu de biosémiotique » une succession de métamorphoses à travers lesquelles se dit un devenir qui abolit toute volonté de s’accrocher à une identité fixe. Ève K. Tremblay y effectue une sortie de soi pour concevoir une autofiction déconcertante gouvernée par l’algèbre prodigieuse d’un songe, mais d’un songe dirigé et délibéré.”
Texte de Nathalie de Blois Se fondre avec l'horizon dans catalogue de L'Echo des Limbes publié par la Leonard Bina Ellen Gallery, Montreal
Eve K., Disparaître en bleu
„Keines verbleibt in derselben Gestalt, und Veränderung liebend
Schafft die Natur stets neu aus anderen andere Formen,
Und in der Weite der Welt geht nichts – das glaubt mir – verloren;
Wechsel und Tausch ist nur in der Form. Entstehen und Werden
Heisst nur anders als sonst anfangen zu sein, und Vergehen
Nicht mehr sein wie zuvor. Sei hierhin jenes versetzet,
Dieses vielleicht dorthin: im Ganzen ist alles beständig.
Unter dem selbigen Bild – so glaub’ ich – beharrt auf die Dauer
Nichts in der Welt.“
Fünfzehntes Buch, Pythagoras. In: Ovid: Metamorphosen.
Nichts ist beständig, alles wandelt sich. Diese Maxime in Ovid’s Metamorphosen hat sich die kanadische Künstlerin Eve K. für die Serie Disparaître en bleu angeeignet. Ovids Metamorphosen sind tiefschürfende Meditationen über die Vielzahl menschlicher Empfindungen und stellen die Beziehung zwischen den Sterblichen und den Göttern dar. Die Erzählungen beschreiben die Folgen von Gehorsam oder Ungehorsam, wobei die Menschen einer Verwandlung unterzogen werden . Auch Eve K. wandelt sich – zur reinen Farbe.
Die Metamorphose der Künstlerin zur reinen Farbe findet in zwei Stufen statt. In einem ersten Schritt bringt sich die Künstlerin in einen Zustand der Auflösung. Auf den ersten Bildern der Serie ist sie in mehreren Selbstporträts, stets in Blau bekleidet, an verschiedenen Orten der Stadt Basel durch eine lange Belichtungszeit nur noch als Spur sichtbar. Indem sie in der jeweiligen Umgebung „verschwindet“, wird sie Teil derselben Umgebung, der Landschaft, des Ortes. In einem zweiten Schritt geht die Künstlerin noch weiter: das blaue Kleid, des Inhalts bzw. des Körpers entleert, findet durch das Abflussrohr eines Lavabos seinen Weg in ein Labor des zoologischen Instituts im Basler Biozentrum. Dort analysiert ein Biochemiker mit Hilfe optischer Mittel die Fasern des blauen Kleides. Natürlich ist die fotografisch festgehaltene wissenschaftliche Analyse des Kleides nachgestellt. Doch parallel zu dieser künstlichen Analyse untersucht der Wissenschaftler in realis das Thema seiner Doktorarbeit: die Augen einer Qualle, die Cladonema, ein primitives Tier, das dem menschlichen Auge unsichtbar ist. Die gallertartigen Organismen gehören zu den Hohl- oder Nesseltieren, deren Markenzeichen das Fehlen der Wirbelsäule ist – sie sind nahezu immateriell, wie auch die Künstlerin in der Serie Disparaître en bleu.
Als chronologischen Abschluss der Serie hat die Künstlerin eine Nahaufnahme des blauen Stoffgewebes gewählt. Die Fotografie zeigt eine grobe Struktur, nahezu eine Abstraktion eines Gewebes, in Blau getaucht. Die Farbe als solche wird zum chronologischen Höhepunkt der Serie nach der Verwandlung bzw. Auflösung der Künstlerin. Dass Eve K. ausgerechnet die Farbe Blau wählt, ist kein Zufall. Die blaue Färbung des Himmels entsteht durch eine Streuung des Sonnenlichts an den Luftmolekülen und den Staubteilchen. Eve K. dreht diesen Vorgang um: die Künstlerin löst sich mit dem blauen Kleid bildlich in Moleküle auf und wird eins mit der Luft, verschwindet in der Natur.
In der Serie Disparaître en bleu verschmelzen die Grenzen zwischen Subjekt/Künstlerin und Objekt/Natur. Eve K. und das Kleid verlieren ihre Formen, ihre Konturen. Sie flüchtet wie ein kleines Tier ins Gebüsch, sie identifiziert sich mit dem Wasserstrahl eines Brunnens, mit der Phosphoreszenz eines Wirbellosen in einem Zoo, mit einer Faser eines blauen Kleides unter dem Mikroskop, mit dem Auge einer Qualle, mit einer Bewegung, einer Abstraktion, einer Farbe. Die Figur schmilzt und verschmilzt mit dem Ort, das Portrait wird zur Landschaft, der Raum wird zur (blauen) Farbe.
Gleichzeitig zu Disparaître en bleu ist eine zweite Serie entstanden, Zoosemiotic. In diesem Werk befasst sich die Künstlerin mit einer Teildisziplin der Semiotik: die Biosemiotik oder Zoosemiotik. Ein Ziel der biosemiotischen Forschung ist das Aufzeigen einer evolutiven Entwicklungslinie aller Kommunikationsvorgänge im Tierreich. Eve K. interessiert sich in ihrer Reihe Zoosemiotic jedoch weniger für die zeichenvermittelte Kommunikation zwischen Lebewesen einer oder unterschiedlicher Arten, sondern es geht vielmehr um die Beziehung der inszenierten Natur des Zoos (selbst als Zeichen, als Sprache verstanden) mit der Erzählung. Die Künstlerin transzendiert das Interesse der Zoosemiotik auf die Ebene der Beziehung zwischen Natur und Erzählung und deren Zeichenprozesse. Die Natur, als Sprache gesehen, wird selbst zur Möglichkeit multipler Erzählungen.
Die beiden Serien verbinden sich sowohl auf der Ebene des Inhalts und des Formspiels als auch in Bezug auf dem Konzept des Sichtbaren und Unsichtbaren. Zuerst wandelt Eve K. mit einfachen analogen Mitteln das Sichtbare ins Unsichtbare, um die Beziehung zwischen dem Betrachter und dem Betrachteten in der Beschreibung des Realen zu unterstreichen. In Zoosemiotic werden die Tiere, in Disparaître en bleu die Künstlerin selbst ausgeblendet, um neue Geschichten zu eröffnen. In ihrem Werk gelingt es Eve K. das menschliche Verlangen nach der Überschreitung der eigenen Existenz sichtbar zu machen, indem sie mit der Ausblendung des Sichtbaren das Sehen übersteigt und den Betrachter auf eine Reise ins Land der Erzählungen lockt – Erzählungen, die es immer wieder zu erfinden gilt.
lic. phil. Anna Bonacci
Kunsthistorikerin und Kulturmanagerin, lebt und arbeitet in Basel
Ève K. Tremblay :
Disparaître en bleu – Ein Spiel der Biosemiotik
Texte par Hervé Dumouchel © 2004 (aka Eduardo Ralickas)
1
Pour une esthétique de la disparition
Au sein d’une des nombreuses descriptions du paysage contenues dans les missives du jeune Werther destinées à son ami Wilhelm, nous pouvons retrouver cette phrase traduisant un sentiment de l’indicible (voire de l’imprésentable) vis-à-vis le spectacle de la nature. Le 10 mai, Werther écrivait : « À présent, je ne pourrais pas dessiner, même pas un trait, et pourtant je n’ai jamais été plus grand peintre qu’en ce moment. » Il me semble que cette phrase exprime une idée tout à fait contraire à l’iconoclasme ou au refus de la représentation. À coup sûr, cette formulation est emblématique non seulement d’un esprit d’observation tout bonnement empirique se délectant à faire passer sous les yeux toutes sortes d’objets, de phénomènes et de détails; mais elle nous permet aussi de déceler un motif important fondant ce même engouement du regard, à savoir la profonde imbrication du spectateur avec l’objet de sa contemplation. Face à l’impuissance de représenter le visible (Werther ne peut trahir l’éclat du visible, sa présence immédiate), contempler la forme des choses telle qu’elle se présente à nous devient le seul moyen de donner forme aux plaisirs de la contemplation. Regarder intensément égale à se perdre dans une nature qui se fait œuvre pour moi.
Paradoxalement, pour que le spectacle de la nature puisse avoir lieu — pour que l’objet puisse faire tableau — le sujet (en l’occurrence Werther) doit s’absenter en œuvrant aux modalités de sa propre disparition. Voilà un thème sous-jacent à tout un courant de la pensée esthétique (je pense tout particulièrement à l’élaboration du mythe de l’artiste moderne depuis le Kant de la Critique du jugement qui privilégie l’expression d’un moi ineffable, mais dont le fondement du geste artistique excède le cadre de la subjectivité). Toutefois, j’aimerais ici mettre l’accent sur l’aspect performatif de cette suppression dont le geste (voire l’effort) est voué à l’échec et au bout duquel le sujet ne peut que se retrouver soi-même dans l’objet…
2
Une poétique du mouvement
La série de photographies de Ève K. Tremblay Disparaître en bleu – Ein Spiel der Biosemiotik exposée en mai à la Maison de la culture Frontenac aborde cette problématique dans la mesure où elle se déploie sous l’égide de l’autofiction d’artiste. Plus particulièrement, ces images donnent à voir le processus d’expérimentation de soi par soi, c’est-à-dire la transformation de l’artiste en objet de sa propre logique scientifique (voir, par exemple, l’image intitulée L’expérience de l’informe).
D’emblée, la comparaison s’impose avec la série historique de gestes picturaux de Sorel Cohen The Shape of a Gesture exécutés en 1978 (en particulier les œuvres La dissolution, Le monstre et surtout Symbiose interrompue du bleu au vert) par laquelle les fondements de la peinture moderniste américaine se trouvaient déconstruits grâce à un travail de critique féministe. Toutefois, dans la mesure où c’est le mouvement du corps de l’artiste qui est « en jeu », la récente production de Ève K. se penche davantage sur une critique de l’autoportrait que sur une réflexion sur la peinture. Or, Disparaître en bleu pose avant tout la question de l’autoportrait d’artiste en lui imposant ses limites, c’est-à-dire en niant la légitimité de cette interrogation telle que celle-ci a été formulée au sein de quelques récentes pratiques de la mise en scène photographique. Si, par définition, l’autoportrait se veut une mise en spectacle du moi, comment représenter ce dernier sans le fixer dans l’objet (qui en est la négation) sans tomber dans un registre iconoclaste ? Ce problème classique est plus complexe qu’il paraît étant donné que mon corps lui-même n’est pas identique à ma subjectivité et pourtant je trouve parmi tous les corps qui surgissent à ma conscience une façon de les distinguer de moi et une manière d’identifier certains d’entre eux à ma personne.
De plus, il me semble pertinent d’évoquer ici le subtil mais important écart qui existe entre la mise en scène « naïve » de personnages et de paysages (c’est-à-dire une mise en scène qui demeure fidèle au paradigme de la modernité et de ses schèmes de représentation, tels le cas du Werther et de plusieurs pratiques photographiques contemporaines) et une mise en spectacle critique, à la limite ironique, par le biais de laquelle nous devenons les témoins d’un processus d’autofiction en chantier. Pour schématiser un peu, on pourrait dire que le deuxième type de démarche est un retour et une réflexion performatifs sur les structures qui permettent la mise en œuvre du premier.
Ainsi, l’essentiel du corpus Disparaître en bleu s’articule autour d’une quinzaine d’images. Soulignons les trois séduisantes disparitions (La dissolution, Le monstre et Symbiose interrompue du bleu au vert), les deux scènes de laboratoire où abondent les liquides bleus (L’expérience de l’informe et N’y voir que du bleu), la « précipitation » monochrome en solution (Le précipité), ainsi que cette méduse lumineuse qui flotte dans une eau limpide dans un aquarium au Zoo de Bâle, telle une mise en abîme de l’acte photographique ayant rendu possible ces dissolutions et précipitations (La disco-luminescence d’Aurelia Aurita). Par une série de métaphores picturales et d’enchaînements formels (dont la couleur bleue est la plus saillante), Disparaître en bleu nous donne à voir la dissolution de l’artiste et l’ultime précipitation (au sens chimique) d’objets variés qui se veulent des métonymies de son corps absent. Ce corps qui disparaît au sein des éléments de la nature (l’eau, la lumière, la terre) donne lieu à une véritable fiction photographique travaillée de l’intérieur par le concept de biosémiotique. Ici, les animaux, les corps animés et leurs symboles (les étoffes) constituent un système vivant communiquant avec son environnement à partir de signes, ou plutôt, le vivant ici est signe : il est mouvement, lumière et trace. D’ailleurs, la poétique de Disparaître en bleu est en quelque sorte la formulation plastique de la biosémiotique scientifique : les tropes picturales valent les êtres vivants dont la mouvance dans le temps est une quête de signification. Par le truchement de ce jeu, les apories de l’autoportrait sont (temporairement) résolues, voire dissoutes, car Disparaître en bleu met en spectacle l’acte, le geste du sujet qui est à l’origine de l’image ainsi que sa trace : ces magnifiques tableaux photographiques. Voilà la source qui unit ces multiples images hétéroclites et qui nous jette dans un monde fantastique dans lequel la fabulation et la science se répondent.
3
Renouveler la fiction
À l’issu de l’enchevêtrement de disparitions et de réifications du moi, l’image de l’artiste réintègre le « réel » par de subtiles figures stylistiques (telles des métonymies, des métaphores imagées, des mises en abîme, etc.) qui sont parfois suggérées par les titres évocateurs et par la continuité du bleu. En effet, la rareté des personnages au sein de Disparaître en bleu semble contraster avec les séries antérieures de l’artiste (L’Éducation sentimentale, À la recherche des placebos, etc.) et laisserait soupçonner une profonde mutation. Rien n’est plus contraire au programme de Ève K. au cœur duquel se trouve un désir d’ « écrire » des fictions ouvertes dont l’enchaînement seraient à l’origine d’un sens global (qui sera toujours à venir).
Trop de pratiques actuelles axées sur des problématiques identitaires ignorent que le moi est un projet. Véritable chantier d’(auto)fictions, la démarche photographique de Ève K. est travaillée de l’intérieur par l’écriture (romanesque et scientifique) et le temps, et ce n’est que dans la durée — par l’imbrication d’anciens et de récents chapitres — que se manifestera un sens plus large. Par son côté proustien, le projet qui s’esquisse sera sans doute de longue haleine. Les spectateurs de chaque nouveau récit devront concevoir ces fables photographiques en tant qu’éléments dont la somme excède les parties et dans lesquelles nous verrons vieillir les figurants, se dessiner des nouveaux paysages, se mouvoir des bêtes sauvages et surtout se construire de nouveaux décors qui inviteront les regardeurs à mieux démonter les tableaux. C’est ainsi que surpasse le cadre de l’image unique l’élément performatif de l’œuvre de Ève K. et que se singularise cette démarche en devenir.
Remerciements/Thanks to: Conseil des Arts et des lettres du Québec, Iaab/Christoph Merian Stiftung. Biozentrum, Zoologisches Institut des Universität Basel (Anna Stark, Claudia List, Michael Stierwald, Prof. V Schmid, Brigitte Aeschbald). Bertrand Limoge, Mzia Chikhradze, Eduardo Ralickas, Lukas Hartmann, Dieter Bopp.